Publicidad:
Terra
La Coctelera

DIALOGO POESÍA ROMÁNTICA - VANGUARDISTA

Johann Wolfgang von Goethe poeta, novelista, dramaturgo, cortesano, filósofo natural, de nacionalidad Alemán, una de las mayores figuras en la literatura occidental y Rainer María Rilke poeta y novelista austro-germánico, considerado como uno de los más importantes e influyentes poetas vanguardistas modernos a causa de su preciso estilo lírico, sus simbólicas imágenes y sus reflexiones espirituales, son ellos unos de los poetas elegidos para participar en un Congreso Internacional llamado: Historia Comparada de la Pintura, La Música y Poesía Moderna, en la cual varios poetas, músicos y artistas de los diferentes estilos darán una charla sobre su movimiento artístico. Ellos van en un vuelo rumbo a la ciudad de Roma (Italia), y ambos se encuentran sentados en asientos juntos del avión, en uno de los momentos del largo vuelo uno de ellos inicia una charla.

Rainer R: ¿Hola Como estas? ¿Eres tu uno de los exponentes del congreso de poesía en Melbourne?

von Goethe: Hola, Muy bien! Si, si soy uno de los exponentes del congreso, expondré a la poesía Romántica.

Rainer R: Que interesante, pues yo al igual que tu, soy expositor, de la poesía Vanguardista; Y mira que estos congresos son muy interesantes porque con estos podemos conocer los puntos de vistas de los demás estilos literarios. Y ¿Qué piensas exponer en este?

von Goethe: Básicamente, daré una charla sobre el significado de la poesía romántica, es como una reflexión sobre la especificación que determina la naturaleza y fin de la poesía en el ámbito histórico, cultural y estético que llamamos Romanticismo. Pues como sabes, el Romanticismo nace de la Ilustración haciendo frente a lo que de insatisfactorio se siente en los resultados de su propio proyecto. Es un enfrentamiento de la Ilustración con ella misma que, inevitablemente, inspira con desasosiego la poesía romántica en sus fundamentos. Mira que la poesía romántica inicio con varios puntos de vista, por ejemplo Novalis decía que "Hay que romantizar el mundo para volver a encontrar su sentido original", a contrario de Friedrich Schlegel quien decía que "La poesía romántica es una poesía universal progresiva" que deberá "hacer la poesía viva y sociable y poetizar la vida y la sociedad"), estos expresaron la necesidad de poetizar (romantizar) el mundo, la vida y la sociedad. Y pues a la conclusión que llego es que inspirada por estos anhelos románticos, la poesía debe infundir la idealidad perdida a la prosa del mundo, confundir la poesía con la prosa.

Rainer R: mmm, que interesante, sígueme contando.

von Goethe: La poesía romántica aparece como una negación del presente en el que el poeta se siente desterrado, y como un ansia de libertad vital que transciende las limitaciones impuestas por los intereses materiales y positivos.

Rainer R: Y ¿Qué problemas tuvo la poesía romántica?

von Goethe: El problema central de la poesía romántica es su situación en la sociedad burguesa en que se desarrolla el Romanticismo. Los poetas y críticos románticos se plantean el problema de la situación de la poesía y de los poetas en la sociedad moderna preguntándose por la pertinencia de la poesía en su propio tiempo, en un momento europeo en ese momento que Larra llama de "civilización extremada", dominada por "intereses positivos", "intereses materiales" (II, 117a), en que como había dicho Heine impera el culto al dinero como valor supremo y que el egoísmo siempre al acecho había impulsado a los literatos de la escuela romántica alemana a abominar del presente y refugiarse en el pasado propugnando la restauración de los valores medievales, en busca de la espiritualidad perdida.

Rainer R: He oído sobre el llamado, mal del siglo en el tono de la poesía romántica, ¿me puedes explicar esto?

von Goethe: Mira, es el mal del siglo burgués que infunde la poesía angustiada de los jóvenes poetas románticos liberales y el mal del siglo aristocrático de los primeros románticos a los que se refiere Heine - sus maestros- que ven desvastados sus castillos y sus templos por el furor revolucionario y sienten nostalgia por una armonía premoderna que había quedado fragmentada. Chateaubriand expresa la melancolía del mal del siglo aristocrático cuando al cruzar el paisaje sublime de los Alpes contrasta la poesía de la naturaleza y del antiguo espíritu religioso medieval con el prosaísmo vulgar de la sociedad secularizada -la "desagradable modernidad"- cuyo símbolo es la moderna burocracia: "La vulgaridad, la modernidad de la aduana y del pasaporte, contrastaban con la tormenta, la puerta gótica, el sonido del coro y el fragor del torrente"

Rainer R: y Para ti, ¿Qué es la poesía Romántica?

von Goethe: La poesía romántica para mi es algo más que canturía en los versos... es una tendencia filosófica y política que da suma importancia a sus composiciones. Es decir, la misión poética que se debe exigir al poeta romántico como manifestación de una literatura. Y pues sobre esto será mi participación en el congreso, espero pongas mucha atención y te guste; pero cuéntame ¿tu sobre que vas a hablar?

Rainer R: Claro que prestare atención a tu participación. Como te dije anteriormente mi estilo es el vanguardista, y hablare de este. Básicamente sobre el movimiento vanguardista, pues mira que esta es la más radical revolución que sufre el arte y la literatura en su historia, El término vanguardia surge en Francia durante los años de la Primera Guerra [1914-1917]. Su origen está precisamente en el vocablo francés avant-garde, término de origen militar y político, que venía a reflejar el espíritu de lucha, de combate y de confrontación que el nuevo arte del siglo oponía frente al llamado arte decimonónico o académico.

von Goethe: Tengo entendido que desde el principio, el arte vanguardista adquiere una impronta provocadora contra lo antiguo, lo naturalista o lo que se relacionara con el arte burgués. ¿Verdad?

Rainer R: Cierto, y no será causalidad que todas las primeras manifestaciones de estos vanguardismos estén repletos de actos y gestos de impacto social, como expresión de un profundo rechazo a la llamada cultura burguesa. La Primera Guerra, como expresión del afán imperialista y del profundo fracaso de esa burguesía por conseguir la paz, será el período en que, junto a actitudes diversas de rechazo a la guerra, afloren todas estas manifestaciones artísticas extraordinarias con una versatilidad y agilidad desconocidas hasta entonces. Los llamados ismos se sucederán uno tras otro. No es ninguna casualidad que el surgimiento de los vanguardismos artísticos y literarios esté relacionado íntimamente con el periodo de mayor intensidad social, ideológica, en definitiva histórica, del siglo XX: el periodo que va desde la Primera guerra del 14 al inicio de la Segunda en 1939. En esos 15 ó 20 años cuajan las experiencias del nuevo arte: unas pasarán rápidamente, otras quedarán incorporadas al arte para siempre, pero la revolución de las formas y de los contenidos se producirá, sin duda, a partir de aquellas vanguardias de los años 20.

von Goethe: ¿Si te dijera que como reconozco a un poeta vanguardista que me dirías?

Rainer R: Mira, El poeta vanguardista es un inconforme, ya que el pasado no sirve, hay que buscar un arte que responda a esta novedad interna que vive el hombre, poyándose en la novedad original que uno lleva por dentro; En la poesía vanguardista se juega constantemente con el símbolo. Ciertos animales como el buho y el buitre son representación que recorre al poeta; Los poetas vanguardistas reaccionan contra las reglas tradicionales de la versificación, pero sus necesidades expresivas no se adaptan "a formas fijas" y necesitan una mayor libertad, ya que lo fundamental no va a ser lograr sonidos agradables, sino "la expresión adecuada de su mundo interior"; los vanguardistas tienen una reacción contra el modernismo, específicamente contra los imitadores de los maestros de esta corriente, al igual tienen una conciencia social, casi todos los significativos poetas de este tiempo acusan en su poesía una conciencia social que los lleva a tomar posiciones frente al hombre y su destino, utilizan un nuevo lenguaje poético, se proponen temas como el anti-patriotismo la deserción la existencia de los hombres reales de carne y hueso

El punto de vista del narrador es múltiple a lo que algunos se les dio por llamar simultaneidad de puntos de vista. Los Vanguardistas profundizan en el mundo interior de los personajes, pues tratan de presentarlos a través de sus más escondidos estados del alma y Sabes! En este tipo de literatura no interesa el tiempo cronológico, sino el tiempo anímico; Se toma en cuenta el aspecto presentacional, pues, se limita a sugerir para que el lector complete, el autor exige la presencia de un lector atento que vaya desentrañando los hechos oscuros que se presentan y armando inteligentemente las piezas de ese rompecabezas de la novela de nuestro tiempo.

von Goethe: Uy, muy buena tu argumentación. ¿Y de todos los representantes de este movimiento tienes a uno que te agrade o lo admiras?

Rainer R: Claro, he leído mucho sobre este escritor y sabes me fascina su estilo y me parece un muy buen representante del vanguardismo, el es un latinoamericano, es de Colombia, su nombre Gabriel García Márquez, y tiene unas obras, bárbaras, entre ellas: "La Hojarasca", "El Coronel No tiene Quien Le Escriba", "El Otoño del Patriarca", "Crónica de una muerte Anunciada", "El Amor en los tiempos Del Cólera", "Los Funerales de Mama Grande", "Ojos de Perro Azul" y la "Increíble Historia de la Cándida Eréndida y la Abuela Desalmada", pero sabes la que mas me gusta es "Cien Años de Soledad", te la recomiendo y te recomiendo este escritor porque este escritor se convirtió en culminador exitoso del realismo mágico.

Bueno parece que hemos llegado a Roma, espero no te pierdas mi intervención en el congreso! Y es un placer haber hablado contigo.

von Goethe: Por supuesto que no me perderé tu intervención, y me encanto conocerte Rainer. Te veo Luego.

 

 

CONCIERTAZO DEL SIGLO XIX / XX: FREDERICK CHOPIN & CLAUDE DEBUSSY

Bienvenidos al Conciertazo de los siglos XIX / XX. En el podrá conocer y escuchar obras pertenecientes a Frederick Chopin & Claude Debussy. Algunas de estas obras son reproducciones de los mas famosos conciertos de estos artistas

1. Frederick Chopin

(Polonia, 1810 - 1849)

(Fryderyk Franciszek Chopin; Zelazowa Wola, actual Polonia, 1810-París, 1849) Compositor y pianista polaco. Si el piano es el instrumento romántico por excelencia se debe en gran parte a la aportación de Frédéric Chopin: en el extremo opuesto del pianismo orquestal de su contemporáneo Liszt -representante de la faceta más extrovertida y apasionada, casi exhibicionista, del Romanticismo-, el compositor polaco exploró un estilo intrínsecamente poético, de un lirismo tan refinado como sutil, que aún no ha sido igualado. Pocos son los músicos que, a través de la exploración de los recursos tímbricos y dinámicos del piano, han hecho «cantar» al instrumento con la maestría con qué él lo hizo. Y es que el canto constituía precisamente la base, la esencia, de su estilo como intérprete y como compositor.

Hijo de un maestro francés emigrado a Polonia, Chopin fue un niño prodigio que desde los seis años empezó a frecuentar los grandes salones de la aristocracia y la burguesía polacas, donde suscitó el asombro de los asistentes gracias a su sorprendente talento. De esa época datan también sus primeras incursiones en la composición.

Wojciech Zywny fue su primer maestro, al que siguió Jozef Elsner, director de la Escuela de Música de Varsovia. Sus valiosas enseñanzas proporcionaron una sólida base teórica y técnica al talento del muchacho, quien desde 1829 emprendió su carrera profesional como solista con una serie de conciertos en Viena.

El fracaso de la revolución polaca de 1830 contra el poder ruso provocó su exilio en Francia, donde muy pronto se dio a conocer como pianista y compositor, hasta convertirse en el favorito de los grandes salones parisinos. En ellos conoció a algunos de los mejores compositores de su tiempo, como Berlioz, Rossini, Cherubini y Bellini, y también, en 1836, a la que había de ser uno de los grandes amores de su vida, la escritora George Sand.

Por su índole novelesco y lo incompatible de los caracteres de uno y otro, su relación se ha prestado a infinidad de interpretaciones. Se separaron en 1847. Para entonces Chopin se hallaba gravemente afectado por la tuberculosis que apenas dos años más tarde lo llevaría a la tumba. En 1848 realizó aún una última gira de conciertos por Inglaterra y Escocia, que se saldó con un extraordinario éxito.

 Excepto los dos juveniles conciertos para piano y alguna otra obra concertante (Fantasía sobre aires polacos Op. 13, Krakowiak Op. 14) o camerística (Sonata para violoncelo y piano), toda la producción de Chopin está dirigida a su instrumento musical, el piano, del que fue un virtuoso incomparable. Sin embargo, su música dista de ser un mero vehículo de lucimiento para este mismo virtuosismo: en sus composiciones hay mucho de la tradición clásica, de Mozart y Beethoven, y también algo de Bach, lo que confiere a sus obras una envergadura técnica y formal que no se encuentra en otros compositores contemporáneos, más afectos a la estética de salón.

La melodía de los operistas italianos, con Bellini en primer lugar, y el folclor de su tierra natal polaca, evidente en sus series de mazurcas y polonesas, son otras influencias que otorgan a su música su peculiar e inimitable fisonomía.

A todo ello hay que añadir la propia personalidad del músico, que si bien en una primera etapa cultivó las formas clásicas (Sonata núm. 1, los dos conciertos para piano), a partir de mediados de la década de 1830 prefirió otras formas más libres y simples, como los impromptus, preludios, fantasías, scherzi y danzas.

Son obras éstas tan brillantes -si no más- como las de sus predecesores John Field y Carl Maria von Weber, pero que no buscan tanto la brillantez en sí misma como la expresión de un ideal secreto; música de salón que sobrepasa los criterios estéticos de un momento histórico determinado. Sus poéticos nocturnos constituyen una excelente prueba de ello: de exquisito refinamiento expresivo, tienen una calidad lírica difícilmente explicable con palabras.

 Obras:
1817 - 4 Mazurkas, op. 17 -  nº 4
1828 -  Rondo Krakowiak, op. 14
1830 - Concierto para piano y orquesta nº 1 -  2º Mov.
1830 - Concierto para piano y orquesta nº 2 -  2º Mov.  3º Mov.
1831 -  Andante spianato, op. 22
1831 -  Gran polonesa brillante, op. 22
1831 -  Gran vals brillante, opus 18
1831 - Nocturno, opus 9 -  nº 2
1833 - 12 Estudios, opus 10 -  nº 12  nº 3
1835 -  Fantasía-Impromptu, op. 66
1835 - Vals para piano, opus 69 -  nº 2 "Adiós"
1836 -  Balada para piano nº 1, opus 23
1837 - 12 Estudios, opus 25 -  nº 11 "Winter Wind"  nº 7
1839 - 24 preludios, opus 28 -  nº 15
1839 -  Polonesa "Militar", opus 40
1839 - Sonata para piano "Fúnebre" -  Funeral March
1842 -  Impromptu nº 3
1843 -  Polonesa "Heroica", Opus 53
1844 -  Berceuse, op. 57
1846 -  Barcarola, op. 60
1846 - Sonata para violonchelo y piano -  Largo
1847 - Vals para piano, opus 64 -  nº 1 "Del minuto"  nº 2  nº 3

PRIMERA GALA

 

http://www.youtube.com/watch?v=DE9ant22c5o

SEGUNDA GALA

 

http://www.youtube.com/watch?v=EsKwtXgFo24

2. Claude Debussy

 (Francia, 1862 - 1918)

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918) Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

Ya en su niñez había iniciado el estudio del plano en su hogar; sin embargo, no pensaba entonces en la carrera musical. Fue una antigua discípula de Chopin, la señora Manté de Fleurville, quien intuyó la vocación del muchacho e indujo a sus familiares a cultivarla. De esta forma, Debussy ingresó en 1873 en el Conservatorio de París; allí tuvo por maestros, entre otros, a Lavignac, a Marmontel y, en composición, a Ernest Guiraud.

Grato paréntesis en sus estudios fue, en el verano de 1880, su empleo de acompañante como pianista de cámara y profesor de piano de los hijos de una rica dama rusa, Nadesda von Meck, protectora de Chaikovski y fanática de su música, en sus viajes a través de la Francia meridional, Suiza e Italia. Esto le permitió conocer a Wagner. Debussy vio renovado el empleo en los veranos siguientes, posiblemente hasta 1884, y entonces visitó Moscú, donde pudo establecer cierto contacto con la música del "grupo de los Cinco".

En el Conservatorio había adquirido fama de músico revolucionario; sin embargo, en 1884 logró el "Prix de Rome" con la cantata El hijo pródigo, que presenta al joven compositor aún envuelto en la amable sensualidad melódica propia del gusto de Massenet, pero también capaz de esbozar un aria perfecta en su género, como la de Lía. Los tres años pasados en Villa Médicis resultaron enojosos para el joven Debussy, que no sentía inclinación alguna por el clasicismo romano y con gran amargura echaba de menos París y su vida intelectual, inquieta y moderna.

De Roma se trajo la cantata La Demoiselle élue (1887-88, La damisela bienaventurada), sobre un texto de D. G. Rossetti y de un gusto prerafaelista muy propio de la época; todavía arrastrado por un sentimentalismo hijo del siglo XIX, y musicalmente situado entre Massenet y Chaikovski, Debussy buscaba a tientas la salida hacia una nueva concepción artística y cayó, como era natural, en el wagnerismo. Más bien que de experiencias musicales (entre ellas contaron singularmente las llevadas a cabo en Rusia y el descubrimiento del canto gregoriano y de melodías exóticas africanas y javanesas, presentadas en la Exposición Universal de París), la liberación le vino de literatos y pintores: la amistad de poetas simbolistas y parnasianos, dominados por la figura de Mallarmé, y el ejemplo de renovación de la pintura impresionista fueron las fuerzas determinantes que impulsaron al compositor hacia un camino artístico original.

Las obras líricas para canto y piano son las composiciones que permiten seguir mejor la evolución lógica del artista desde un formalismo melódico de gusto un tanto aburguesado hasta la creación de una prosa poética intensamente evocadora; así, Arietas olvidadas (1888), Cinco poemas de Baudelaire (1890), Fêtes galantes (1892 y 1904), Prosas líricas (1893) y Tres canciones de Bilitis (1898). De tal forma se forjó el nuevo lenguaje musical y dramático que le permitió aportar una solución personal al problema de la ópera con Pelléas et Mélisande, sobre texto de M. Maeterlinck y representada en la Opéra-Comique el 30 de abril de 1902 (su composición había durado diez años); el éxito fue muy discutido y sólo con gran lentitud la ópera llegó a conquistar el puesto que le correspondía en la historia de la música, como etapa básica en el desarrollo del teatro musical.

En una segunda etapa, alcanza el primer plano de la producción de Debussy la música instrumental. De las posiciones de elegancia un tanto formalista propias de los dos Arabesque (1888) y de la Suite bergamasque (1890), para piano, así como del Cuarteto (1893) y del Preludio a la "Siesta de un fauno", de 1892, el compositor llegó, sobre todo en el ámbito pianístico, a la creación de un impresionismo musical que llevó a las últimas consecuencias la disolución de las formas clásicas realizada por el romanticismo y, al mismo tiempo, abrió las puertas al futuro. Con ello se produjo el tránsito del momentáneo clasicismo de Para el piano (1901) a la libertad impresionista de Estampas (1903), de L'isle joyeuse (1904) y de las dos colecciones de Imágenes (1905 y 1907).

A la engañosa facilidad de El rincón de los niños (1908), obra abierta a sugerencias y temas de la vida actual, a pesar de su tema infantil, siguió, con los dos tomos de los Preludios (1910 y 1913), el equilibrio definitivo de la composición moderna para piano. La devolución a la música del sentido de la precisión fónica, o sea la conversión de la pieza instrumental en un consistente objeto sonoro donde se cobijan los eventuales valores expresivos sin menoscabo de su solidez, permite considerar realmente a Debussy como el iniciador de las tendencias musicales de la actualidad: en la estela de Estampas se desarrolla el florecimiento de las modernas obras de piano, con Ravel, Bartók, Schoenberg y Prokofieff.

En oposición a la perfección alcanzada en el lenguaje pianístico hay que reconocer, posiblemente, una menor seguridad en la evolución comunicada por el compositor al impresionismo orquestal, y ello a pesar del pomposo interés por la fantasía en el timbre y por la sensualidad sonora manifestados en los poemas sinfónicos; en realidad, ni El mar (1905) ni Imágenes (1909), para orquesta, renuevan por completo la equilibrada concisión de los tres Nocturnos (1899).

Hacia 1910 cabe situar la aparición en el arte del músico de una nueva orientación clasicista y arcaizante que tiende a reaccionar contra la dispersión impalpable del impresionismo en el ambiente, manifestada en la restauración de una necesidad de precisión fónica e incluso formal cada vez más consciente. En un decidido salto por encima de los últimos siglos, Debussy buscó en el XVI y en el XVII los orígenes culturales del arte y del gusto franceses (la primera Guerra Mundial acabaría de fortalecer en el músico un proceso ya iniciado de enlace con las tradiciones de la civilización nacional).

En el segundo cuaderno de las Fêtes galantes habían aparecido ya formas melódicas arcaizantes; asimismo, algunos textos de antiguos poetas franceses pasan a ocupar el lugar de los versos de los simbolistas y parnasianos predilectos en Tres canciones de Francia (1904), Tres baladas de François Villon (1910) y Tres canciones de Charles d'Orléans (1908), para coro polifónico y abiertamente inspiradas en los modos de la antigua canción típica de Francia. La renacida voluntad de clasicismo y de reconstitución formal se manifestó claramente en el proyecto de seis Sonatas para varios instrumentos diversamente agrupados, idea surgida en el curso de la Guerra Mundial y que el artista sólo pudo llevar a cabo en su mitad, con la audaz Sonata para violoncelo y piano (1915), la Sonata para flauta, arpa y viola (1915), y la Sonata para violín y piano, que ha alcanzado gran popularidad.

Sin embargo, el principal monumento de esta última fase del arte de Debussy, tan abierta hacia las perspectivas artísticas del futuro, sigue siendo una obra maestra todavía mal apreciada, la partitura de El martirio de San Sebastián (1911), donde la elevación de los valores musicales aparece algo menoscabada por el artificioso rebuscamiento del texto dannunziano y, sobre todo, por el carácter híbrido del espectáculo escénico, ni ópera ni ballet, sino mescolanza de recitación y canto destinada a la interpretación de Rubinstein.

La existencia del compositor se desenvolvió en un plano retirado y careció de acontecimientos sensacionales externos, salvo la dolorosa crisis sentimental que indujo al artista a separarse de su esposa Rosalie Texier, compañera fiel y valerosa de los años difíciles, para unirse a Emma Bardac Moyse (1905). Raramente y con desgana se alejaba de París. En 1893 fue a Gante para pedir a Maeterlinck que le permitiera poner música a su drama; el literato le dio su asentimiento, si no su comprensión. En 1909 estuvo en Londres con motivo de la presentación de Pelléas en aquel país.

Luego, la fama creciente le obliga a estancias en Viena y Budapest (1910), Turín (1911), Rusia (1913-14), Holanda y Roma (1914) para la dirección de sus propias composiciones. No ocupó cargos ni buscó jamás puestos estables; careció de discípulos y sí tuvo únicamente amigos, con quienes gustaba de hacer música, conversar y discutir sobre arte y poesía. Actuó frecuentemente como colaborador musical en diversas revistas, generalmente literarias, y reunió los principales frutos de tal colaboración en el volumen Monsieur Croche, antidilettante (1917). Operado en 1915 de un cáncer intestinal, no pudo recobrar ya la plenitud de sus fuerzas físicas, y moría en 1918, amargado y conmovido profundamente por los desastres de la guerra.

Obras Importantes 
1888 - Arabesque nº1 -
1890 -  Rêverie
1893 - Cuarteto de cuerda, op. 10 - 
1894 -  Preludio a la siesta de un fauno
1905 - El mar -  El baile de las olas
1905 - Suite Bergamasque -  Claro de luna
1911 -  Rapsodia para saxo y orquesta

 Operas
Peleas y Melisande (1902 - 30 de abril)

Otras Obras:


El hijo pródigo (cantata-1884)
La señorita elegida (cantata-1886)
Printemps (suite sinfónica-1886)
Cinco poemas de Baudelaire (canciones-1889)
Estampas (piano-1903)
L'île joyeuse (piano-1904)
Imágenes, serie nº 1 (piano-1905)
Imágenes, serie nº 2 (piano-1907)
El martirio de San Sebastián (música para escena-1911)
Juegos (ballet-1912)

PRIMERA GALA

 

http://www.youtube.com/watch?v=N3iORDe7Mxw

 

SEGUNDA GALA

 

http://www.youtube.com/watch?v=Z_c-G9PeuEA

Galeria Impresionista

 Bienvenidos a la exposición de pinturas realizadas en óleo sobre lienzo de Pintores del movimiento Impresionista. En ella podrá encontrar cuadros pertenecientes al estilo Impresionista. Algunas de estas obras son reproducciones de las obras de los principales representantes de este movimiento

 IMPRESIONISMO

Movimiento pictórico francés de finales del siglo XIX que apareció como reacción contra el arte académico. El movimiento impresionista se considera el punto de partida del arte contemporáneo

El impresionismo en pintura partió del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes.  Los impresionistas escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Las figuras principales del movimiento fueron:   Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, y Auguste Renoir

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios -cyan, magenta y amarillo- y los complementarios -naranja, verde y violeta-. Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, que mezcladas por la retina del observador desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos

Los impresionistas evolucionaron hacia distintos estilos individuales y compartieron como grupo sus experimentos sobre el color. Sólo Monet fue ortodoxo en la aplicación de la teoría impresionista. Pintó varias series -la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, los álamos- en diferentes horas del día y estaciones del año. Pissarro utilizó una paleta más delicada y también se concentró en los efectos de luz sobre las formas. Los sutiles paisajes de Morisot se destacan por la intensa pincelada más que por la precisión lumínica

El impresionismo ejerció una fuerte influencia durante décadas. Los postimpresionistas Paul Cézanne, Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Mary Cassatt y Vincent van Gogh estuvieron muy influidos por la vivacidad del colorido impresionista. La obra de Cézanne anticipó el cubismo, mientras que la de Gauguin y Van Gogh representaron el comienzo del expresionismo

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=hypa511SJg0

 

Continuación Galería Impresionista

 Titulo: Impresión: sol naciente

Autor: Claude Monet

Fecha: 1872

Características: 47 x 64 cm.

Material: Oleo sobre lienzo.

Es una imagen tomada directamente del natural por Monet en Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol "lucha" por despuntar, creando magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista, resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como por su estética.

 

Titulo: La Clase de Danza

Autor: Edgar Degas

Fecha: 1874

Características: 83,2 x 76,8 cm.

Material: Oleo sobre lienzo.

Las pinturas de Degas representando a jóvenes bailarinas o ballerinas se cuentan entre sus mayores -y desde luego más famosos- logros. El artista representa a las jóvenes chicas como verdaderas profesionales, practicando todo el día bajo la estricta tutela de su maestro. En este lienzo, el maestro aparece en el centro-derecha de la composición, supervisando la escena como una autoridad con máximos poderes.

 

Titulo: La Balançoire.

Autor: Auguste Renoir

Fecha: 1895

Características: 41 x 23 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma.

 

 

Titulo: Bodegón con cortina

Autor: Paul Cézanne

Fecha: 1895

Características: 55 x 74,5 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la compresión tersa de formas y tensión dinámica entre figuras geométricas.

 

Titulo: Trata de Blancas

Autor: Joaquín Sorolla

Fecha: 1894

Características: 166 x 195 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

El autor ha de adaptarse al realismo social, dominantes en los certámenes de la época. Para ello, mantiene su temática costumbrista, siendo los títulos los que aportarán la denuncia social.

 

Titulo: Inundación en Port-Marly

Autor: Alfred Sisley

Fecha: 1876

Características: 50,5 x 61 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

El cuadro muestra la rue de París de Port-Marly. A la derecha, más allá de una doble hilera de árboles, vemos el Sena. Bajo un cielo cambiante, lleno de nubes rasgadas por el viento, el agua, empieza a desbordarse inundando la acera y la calle. En 1876 hubo otra inundación y Sisley realizó siete cuadros para dejar constancia de sus distintas etapas, desde la primera crecida del río hasta el regreso de las aguas al cauce.

 

Titulo: Puesta de Sol en Ivry

Autor: Armand Guillaumin

Fecha: 1873

Características: 81 x 65 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

Guillaumin es posiblemente el más colorista de todos los impresionistas, lo que puede ser apreciado de forma clara en sus paisajes de Paris, la Provenza y la Costa Mediterránea.

 

Titulo: El estudio del Artista

Autor: Frederic Bazille

Fecha: 1870

Características: 98 x 128,5 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

Bazille es la figura trágica del impresionismo, falleciendo en la Guerra Franco-Prusiana cuando sólo contaba con 28 años de edad. "El estudio del artista" está considerada como su obra maestra, en la que podemos encontrar a personas importantes del movimiento impresionista, como Monet, Renoir, Manet, Emile Zola o Edmond Maître.

Titulo: Calle de París

Autor: Gustave Caillebotte

Fecha: 1877

Características: 212,2 x 276,2 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

Esta es la más famosa y ambiciosa obra de Caillebotte, expuesta en la Tercera Exposición Impresionista en la Rue Le Peletier, donde no fue bien recibida por la crítica en general. L'Évenement comentó que "el dibujo es de cierta calidad, pero Caillebotte parece haber olvidado incluir la lluvia". No obstante, esta es una de las mejores representaciones del París del siglo XIX jamás pintada.

 

Titulo: El Cristo Amarillo

Autor: Paul Gauguin

Fecha: 1889

Características: 91,1 x 73,4 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

Esta obra puede ser considerada uno de los orígenes de la pintura simbolista, junto con "El Cristo verde", y es un claro precedente a las pinturas religiosas que Gauguin creó en la Polinesia ("Ia Orana Maria", "Maternidad"), pero empleando como modelos a mujeres bretonas en lugar de chicas de la Polinesia. El Cristo amarillo también aparece en un famoso autorretrato del artista hoy en el Museo de Orsay en París.

 

Titulo: El Boulevard Montmartre de noche

Autor: Camille Pissarro

Fecha: 1897

Características: 53,3 x 64,8 cm.

Material: Oleo sobre lienzo

Aunque Pissarro es más conocido por sus paisajes rurales, creó un gran número de escenas urbanas de París de gran calidad. En 1897 alquiló un estudio en el Boulevard Montmartre y representó esta vía a distintas horas del día, siendo esta la única vista nocturna de la noche. "El Boulevard Montmartre de noche" es una sensacional pintura impresionista, aunque Pissarro nunca la expusiera en público en vida.

LA MODERNIDAD

La modernidad es un periodo de la humanidad donde instituciones como el estado y la nación toman una gran importancia en el desarrollo de los países e influyen en los aspectos más importantes de los ciudadanos. La influencia sobre los aspectos como la cultura, el arte, la pintura, la música y la literatura puede hacer que se pierdan las antiguas creencias y formas de prácticas de estas, lo cual origina una nueva forma de pensar y actuar, como lo vemos en los movimientos modernistas como el romanticismo y las vanguardias, donde sus mayores representantes cambian la forma antigua de hacer las cosas o de expresar sus ideas y pensamientos por un actuar y pensar según el entorno actual en el que se vive.

La modernidad aparece en el norte de Europa a finales del siglo XVII y se cristaliza al final del siglo XVIII, según "la sociología de Michel Freitag, la modernidad es un modo de reproducción de la sociedad basada en la dimensión política e institucional de sus mecanismos de regulación por oposición a la tradición, en la que el modo de reproducción del conjunto y el sentido de las acciones que se cumplen es regulado por dimensiones culturales y simbólicas particulares. En términos sociales e históricos, no se llega a la modernidad con el comienzo de la Edad Moderna en el siglo XV, sino tras la transformación de la sociedad preindustrial, rural, tradicional, en la sociedad industrial y urbana moderna; que se produce con la Revolución Industrial y el triunfo del capitalismo"[1], la modernidad trae consigo cambios en las sociedades creando normas que rigen la vida cotidiana y que son producidas por mecanismos expertos, impersonales, que parten del conocimiento experto en relación con el Estado, para esto se necesita un proceso que se fundamenta en la razón y debe llevar un tiempo para su total expansión, como lo fue la Revolución Industrial y el Capitalismo.

Los movimientos modernistas como el romanticismo y las vanguardias tuvieron gran acogida durante el periodo. "El Romanticismo es un movimiento cultural y político originado en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Clasicismo, dándole importancia al sentimiento. Su característica fundamental es la ruptura con la tradición clasicista basada en un conjunto de reglas estereotipadas. La libertad auténtica es su búsqueda constante, por eso es que su rasgo revolucionario es incuestionable. Debido a que el romanticismo es una manera de sentir y concebir la naturaleza, la vida y al hombre mismo es que se presenta de manera distinta y particular en cada país donde se desarrolla; incluso dentro de una misma nación se desarrollan distintas tendencias proyectándose también en todas las artes. La pintura romántica apela al subjetivismo y la originalidad. Se inspira en escenas violentas como en La carga de los Mamelucos de Goya, tiene un gusto por el dramatismo, que utiliza para remover el sentimiento del público"[2].

"La Vanguardia significaba innovar o liberar la cantidad de reglas y estamentos que ya estaban establecidos por los movimientos anteriores; por eso se dice que la única regla del vanguardismo era no respetar ninguna regla. La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta de manera peculiar en cada uno de los géneros literarios y de la siguiente manera: en la narrativa, se diversifica la estructura de las historias, abordando temas hasta entonces prohibidos y desordenando todos los parámetros del texto narrativo; en la lírica se rompe con toda estructura métrica y se da más valor al contenido. En la literatura, y concretamente en la poesía el texto va a ser realizado a partir de la simultaneidad y la yuxtaposición de imágenes. Rómpase tanto con la estrofa, la puntuación, la métrica de los versos como con la sintaxis alterando por completo con la estructura tradicional de las composiciones (por ejemplo en el Finnegans Wake o en el final del Ulises de James Joyce). Surge el caligrama o poema escrito de modo que forme imágenes pretendiendo así acabar con la tóxica sucesividad del hecho escrito o leído"[3].

La modernidad fue una época de cambios para la humanidad donde la música, el arte, la poesía y la literatura se dieron cambios en la forma de expresar al entorno sus ideas y pensamientos cambiando aquellas antiguas creencias y costumbres que se manejan en esa época. Movimientos como el romanticismo y el vanguardismo hizo que esto se extendiera a diferentes lugares del mundo, donde acogían estas nuevas corrientes de forma muy particular y diferente. Estos movimientos dieron otra visión del mundo, donde la innovación y la creatividad eran necesarias para cambiar las ya tradicionales.

   

[1] http://es.wikipedia.org/wiki/Modernidad

[2] http://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo

[3] http://es.wikipedia.org/wiki/Avant-garde

 

Ilustración, romanticismo, modernidad. José Escobar Arronis www.cervantesvirtual.com/servlet/SirveObras/09252841966871839832268/index.htm